Mit der Vernissage der Gruppenausstellung in der Akademie der Künste im Hanseatenweg startet am Mittwoch den 10. Februar um 19 Uhr das 11. Forum Expanded. Unter dem Titel "Traversing the Phantasm" sind dort bis zum 22. Februar Arbeiten von Kader Attia, Andreas Bunte, Yin-Ju Chen, Liu Chuang, Raphaël Grisey, James T. Hong, Jen Liu, Lyusya Matveeva, Angela Melitopoulos (unter Mitwirkung von Maurizio Lazzarato, Angela Anderson und Aya Hanabusa), Pushpamala N., Natascha Sadr Haghighian, Sandra Schäfer und Wu Tsang versammelt.

Am Eröffnungsabend gibt es nach Grußworten von Jeanine Meerapfel von der Akademie der Künste und den Forum Expanded Kurator/innen Stefanie Schulte Strathaus und Anselm Franke einen Film sowie eine Lecture Performance von Ahmad Ghossein. In AL MARHALA AL RABIAA (THE FOURTH STAGE) verwebt der Regisseur drei Welten, in denen er sich bewegt, zu einer komplexen und ungewöhnlichen Verbindung von Illusion und Mythos: das Kino, die Magie und die sich verändernde Landschaft im südlichen Libanon. Seine Lecture Performance WHEN THE VENTRILOQUIST CAME AND SPOKE TO ME befasst sich mit Architekten und Bildhauern, die an symbolischen und abstrakten Monumenten arbeiten, die den Sieg im Südlibanon feiern und den Weg für eine neue visuelle Hegemonie ebnen.

Die diesjährige Videoinstallation im Marshall McLuhan Salon der Botschaft von Kanada, REASON OVER PASSION/LA RAISON AVANT LA PASSION von Joyce Wieland eröffnet am Donnerstag den 11. Februar um 17:30 Uhr.

Zusätzlich wird in diesem Jahr im silent green Kulturquartier die Installation der digitalen Fassung eines japanischen Kurzfilms präsentiert, der 1984 im Forum zu sehen war: XÉNOGÉNÈSE von Morishita Akihiko zeigt, wie ein Mann hinter den Laufstreifen eines Films verschwindet.

Vier Spielfilmdebüts aus dem Programm des Forums sind in diesem Jahr für den mit 50.000 Euro dotierten Preis für den besten Erstlingsfilm nominiert: AKHER AYAM EL MADINA (IN THE LAST DAYS OF THE CITY von Tamer El Said, BARAKAH YOQABIL BARAKAH (BARAKAH MEETS BARAKAH) von Mahmoud Sabbagh, DEADWEIGHT von Axel Koenzen und ZHI FAN YE MAO (LIFE AFTER LIFE) von Zhang Hanyi. Die Anzahl der Filme, die um den Preis konkurrieren, ist seit letztem Jahr begrenzt. Festivaldirektor Dieter Kosslick und die Leiter aus den Sektionen Wettbewerb, Panorama, Forum, Generation und Perspektive Deutsches Kino haben gemeinsam 18 Debütfilme nominiert.

Über die Auszeichnung, die am 20. Februar bei der offiziellen Preisverleihung im Berlinale Palast vergeben wird, entscheidet eine dreiköpfige internationale Jury bestehend aus der Regisseurin Ursula Meier (Schweiz/Frankreich) dem Filmemacher und Produzenten Michel Franco (Mexiko) und dem Schauspieler Enrico Lo Verso (Italien).

Die Karriere der hierzulande weitgehend unbekannten Produzentin Mag Bodard (*1916 als Marguerite Perato in Turin) zählt zu den außergewöhnlichsten der französischen Filmgeschichte. Als die Journalistin Anfang der 60er Jahre mit Mitte 40 die Produktionsfirma Parc Films gründete, war sie weit und breit die einzige Frau in dem von Männern dominierten Metier. Mit großem Enthusiasmus, Mut, Vertrauen und freundschaftlicher Verbundenheit zu ihrer „künstlerischen Familie“ produzierte sie Filme, an deren Qualität sie glaubte – und die in vielen Fällen anderen Produzenten zu riskant bzw. zu wenig lukrativ waren. Ihre Risikobereitschaft wurde mit der Goldenen Palme 1964 für ihre zweite Produktion LES PARAPLUIES DE CHERBOURG belohnt. In dem folgenden "magischen Jahrzehnt" produzierte Mag Bodard mehr als 30 Kinofilme, darunter Werke von Robert Bresson, Jacques Demy, Jean-Luc Godard, Maurice Pialat, Alain Resnais und Agnès Varda. Mitte der 70er Jahre zog sie sich aus dem Kinogeschäft zurück, um sich ihrem ursprünglichen Interesse, dem Fernsehen zu widmen und realisierte mit ihrer Gesellschaft Ciné Mag Bodard bis heute mehr als 100 TV-Produktionen.

Wir gratulieren sehr herzlich zum 100. Geburtstag am 3. Januar 2016 und zeigen neun von Mag Bodard produzierte Filme.

Der battle of the sexes – der ewige Kampf darum, den anderen zu verstehen, trieb in den Screwball Comedies der goldenen Ära des klassischen Hollywoodfilms schillernde Blüten. Vor dem Hintergrund der Großen Depression und den konservativen Richtlinien des Motion Picture Production Code, besser bekannt unter dem Namen Hays-Code, lösten diese Beziehungskomödien mit rasanten Dialogen, respektlosem Humor, schnellem Rhythmus und exzentrischen Charakteren die anarchischen Komödien etwa der Marx Brothers oder Mae Wests ab. Mit der ihnen eigenen Kunst der Andeutung und Anspielung, des Innuendo, vermochten sie einerseits den Production Code zu unterlaufen und andererseits trotz ihrer Respektlosigkeit systembestätigend zu wirken. Die sozialen Komödien unter ihnen thematisieren die Kluft zwischen Arm und Reich, kritisieren humorgefiltert High Society und unkontrollierten Finanzkapitalismus und sympathisieren mit der Politik des New Deal, die höchst unterschiedlichen Lebensgefährten (in spe) klassendurchlässig neu mischend. Das Genre, das sich zu Beginn der 30er Jahre aus der Bühnentradition der Broadway-Farce heraus entwickelt hat und seine Blütezeit Anfang der 40er Jahre erreichte, lebt von der ironischen Konfrontation vielerlei Widersprüche und ungleicher Partner, die beim Zusammenprall mit ihren Mitmenschen seltsame Kettenreaktionen auslösen und selbst erst außer Fassung geraten müssen, um schließlich vereinigt zur Ruhe zu kommen und in die Liebesheirat geführt zu werden.

Wir führen bis Ende Januar unsere umfassende Retrospektive fort und feiern mit 20 Filmen aus den Jahren 1934 bis 1949 den anhaltenden Charme des Genres der Klassen- und Geschlechtergegensätze.