In unserer monatlichen Reihe präsentiert am 23. September Rainer Bellenbaum ein Programm unter dem Titel "The Interchange of Cinematography". Anders als eine Schuss-Gegenschuss-Montage, die gegensätzliche Blickwinkel sinnvoll aufeinander abstimmt, vermag der Austausch einer Kameraführung die betreffenden Perspektiven in ihrer Eigensinnigkeit zu belassen. Wo Filmerinnen sich gegenseitig filmen oder ein Kameramann plötzlich die Position des Performers vor der Kamera einnimmt, reflektiert dies spezifische Formen des Dialogs, sei es im Hinblick auf politische Standpunkte und/oder in Bezug auf sexuelle Fantasien. Zu sehen sind explizite Blickwechsel, wie in Hollis Framptons und Joyce Wielands Avantgardeklassiker A & B IN ONTARIO, aber auch Sichtverschiebungen wie in Carolee Schneemanns FUSES.

Kinematheken, als Kulturinstitutionen keine 100 Jahre alt, müssen sich angesichts radikal veränderter technologischer Bedingungen und Nutzererwartungen neu ausrichten. Anlässlich des 50-jährigen Bestehens der Deutschen Kinemathek nimmt ein Kolloquium am 13. & 14. September eine Standortbestimmung vor. Der Blick auf die Ursprünge, die Entwicklung sowie das derzeitige Selbstverständnis dieser und vergleichbarer Institutionen offenbart den Wandel der sozialen, politischen und ästhetischen Rolle, dem Kinematheken überall unterliegen. Es ist an der Zeit, Aufgaben und Perspektiven einer modernen Kinemathek neu zu definieren: Wie können Kinematheken und Filmarchive weiterhin oder erneut zu einem zentralen Ort der Filmkultur, der Hervorbringung und Vermittlung filmischen Wissens werden? Wie werden Sammlungspraktiken definiert und ihre Fallstricke umgangen? Wie schafft man Zugang zu den Sammlungsgütern und vermittelt die gesammelten Archivschätze – sei es in Ausstellungen, in Kinoprojektionen oder auf ganz neuartigen Wegen? Archivare, Kuratoren und Gäste anderer europäischer Kinematheken diskutieren an zwei Tagen Konzepte und Ideen, wie Kinematheken Filmkultur lebendig halten können.

Das Internationale Filmfestival Toronto (TIFF), das vom 5.-15. September statt findet, zeigt im Rahmen seines "City to City"-Programms die drei griechischen Beiträge zum diesjährigen Forum: I KÓRI (THE DAUGHTER) von Thanos Anastopoulos, I AIONIA EPISTROFI TOU ANTONI PARASKEUA (THE ETERNAL RETURN OF ANTONIS PARASKEVAS) von Elina Psykou und STO LYKO (TO THE WOLF) von Christina Koutsospyrou und Aran Hughes. Mit dem "City to City"-Programm wendet sich das Festival alljährlich dem Filmschaffen einer Metropole bzw. eines Landes zu. In diesem Jahr steht bewusst Athen im Zentrum, wo in Zeiten der Krise mit minimalen finanziellen Mitteln besonders mutige und originelle Filme entstehen. Insgesamt sind im Rahmen des Programms zehn Filme zu sehen.

Zum Jubiläum präsentieren wir mit Hilfe des Hauptstadtkulturfonds insgesamt sechs Filme aus unserer Sammlung in neuen Kopien. Den Auftakt macht am 16.9. CHIRCALES (Ziegelarbeiter) von Marta Rodríguez und Jorge Silva (Kolumbien 1972), der von einer Großfamilie erzählt, die für einen Hungerlohn Ziegel aus Lehm anfertigt und schließlich entlassen wird. Durch dokumentarische Beobachtung und mit Hilfe eines Off-Kommentars analysiert der Film den Zusammenhang zwischen entrechteter Arbeit und Armut. Dazu zeigen wir Harun Farockis ZUM VERGLEICH (D 2009), der fast 40 Jahre später die Ziegelsteinproduktion in Afrika, Indien und Europa dokumentiert. Im Akt des Vergleichens zwischen traditioneller, früh- und hochindustrieller Gesellschaft, den er nahelegt, erscheint CHIRCALES in einer neuen Perspektive.

Seijun Suzuki (*1923), das exzentrische Genie des japanischen Studio-Systems, kam 1946 als Regieassistent zum Shochiku-Studio und wechselte 1954 zu Nikkatsu, wo er 1956 als Regisseur debütierte. Bei Nikkatsu war er als Auftragsregisseur beschäftigt, der für die damals üblichen Double Features die billigen B-Movies drehte. Den stets gleichen Drehbüchern setzte Suzuki Stilwillen und hemmungslosen Einfallsreichtum entgegen und schuf Genre-Filme, die die Grenzen der Konventionen weit ausdehnten. Ihm eigen ist eine unbändige Lust am Experiment, an der radikalen Zerstörungswut, am Durchbrechen von Regeln und eine ironische Distanz zu den Gesetzen des Yakuza-Kosmos. Genrekonventionen werden von ihm pervertiert und von allem moralischen Ballast befreit, sein visuell überbordender Stil ist voller Farbexzesse, einer Vorliebe für monochrom grundierte Motive, extreme Kameraeinstellungen und surreale Situationen. Den Verantwortlichen von Nikkatsu, wo er in zwölf Jahren 40 Filme drehte, wurde das irgendwann zu bunt und nach BRANDED TO KILL wurde er mit der Begründung, seine Filme wären "unverständlich", gefeuert. Zehn Jahre lang war er nicht mehr aktiv, bis er sich in den 80er und 90er Jahren mit der unabhängig produzierten Taisho-Trilogie zurückmeldete, in der er Formalisierung und Ästhetisierung vollends auf die Spitze trieb.

Nicht nur Kollektive, Gruppen oder Fabriken markieren ein Kino im Plural. Gleichermaßen plurales Gemeinschaftswerk und ebenfalls klassische Normen unterlaufend ist der Ensemblefilm. Die variantenreiche, dramaturgische und narrative Kategorie mit Potential zum eigenen Genre hat in den letzten zwei Jahrzehnten ein überraschendes Revival erlebt, lässt sich aber auch weit in die Filmgeschichte zurückverfolgen. Damals wie heute entwerfen die hoch-dynamischen filmischen Patchworks Welten mit verzweigten Figurenmosaiken, vielschichtigen Beziehungsgeflechten und azentrischen Gruppenbildern – komplexe Universen, geprägt von grandiosen, hochkarätig wie gleichberechtigt besetzten Schauspielersembles.

Tarkowskij im Sommer – seit mehr als 20 Jahren ist das eine lieb gewordene Tradition für uns und unser Publikum. Wir zeigen im Juli und August die sieben langen Filme und den mittellangen Diplomfilm des russischen Regisseurs Andrej Tarkowskij (1932–1986), von dessen monumentalem Werk eine anhaltende Faszination ausgeht.